Pink Floyd

Pink Floyd es un grupo de rock inglés que ganó popularidad gracias a su música psicodélica y que, con el paso del tiempo, fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock experimental. Son conocidos por sus canciones filosóficas, la experimentación sónica, sus innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es una de las bandas más importantes de la escena del rock con más de 200 millones de álbumes vendidos alrededor del mundo. Su primera alineación estaba formada por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió además en el primer líder de la banda. Sin embargo, su extraño comportamiento, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, provocó que tuviera que ser sustituido en 1968 por David Gilmour, conformándose así la alineación clásica del grupo.

Primeros pasos

En 1967, después de varias sesiones instrumentales y presentaciones en vivo, Pink Floyd decidió elaborar su primer disco, The Piper At The Gates Of Dawn, que fue lanzado en agosto. En la actualidad está considerado como el primer ejemplo de la música psicodélica británica, además de que en su momento fue muy bien recibido por la crítica. Las pistas del disco, predominantemente escritas por Barrett, muestran letras poéticas y una ecléctica mezcla de música, desde la vanguardista “Interstellar Overdrive” hasta “The Scarecrow”. Las letras son totalmente surrealistas y a menudo folklóricas, como “The Gnome”. A medida que crecía la popularidad de la banda, el estrés y el consumo de drogas (especialmente de LSD) afectaron la salud mental de Syd Barrett. Su conducta comenzó a hacerse cada vez más impredecible, lo que afectaba a las presentaciones en público del grupo. Por esto, en febrero de 1968 el grupo llamó a un músico amigo de Barrett, David Gilmour, para asistirlo en guitarra y voces cuando aquél sufriera alguno de sus bloqueos mentales.

La era de la experimentación

Sin la presencia de Barrett, Gilmour, Waters y Wright se hicieron cargo de las riendas creativas del grupo, cada uno aportando su voz y sonido en sus nuevas producciones dándole a los nuevos materiales menos consistencia que en la era Barrett. Algunas de las composiciones más experimentales del grupo datan de esta época, como A Saucerful Of Secrets, que consiste en su mayoría de ruidos, efectos sonoros, percusiones, osciladores y tape loops, y “Careful With That Axe, Eugene” (que sufrió varios cambios de nombre), una canción muy del estilo de Waters con una improvisación de bajo y teclado que culmina con una estridente batería y con los gritos del propio Waters.

A pesar de que Barrett había escrito la mayor parte del primer álbum, sólo una composición suya, “Jugband Blues”, apareció en el segundo álbum de Pink Floyd. Barrett también participó en las canciones “Remember a Day” y “Set The Controls For The Heart Of The Sun”. El nuevo disco, A Saucerful of Secrets, fue lanzado en junio de 1968. Poco después fueron reclutados por el director Barbet Schroeder para realizar la banda sonora de la película More, que se estrenaría en mayo de 1969. La música fue lanzada como un álbum de estudio de Pink Floyd, Music From The Film More, la mayoría de las canciones son acústicas de folk. Dos de esas canciones, “Green Is The Colour” y “Cymbaline”.

El siguiente trabajo de la banda fue un álbum doble titulado Ummagumma, que está formado por un disco en directo y otro con temas nuevos de estudio. Cada uno de estos temas fue compuesto por uno de los miembros de la banda y ocupan la mitad de una cara de cada disco (unos 10 minutos cada uno). El disco de estudio es puramente experimental, con un largo tema de Fol., “Grantchester Meadows”, la pianística y atonal “Sysyphus”, coqueteos con el rock progresivo en “The Narrow Way” y largos solos de batería en “The Grand Vizier’s Garden Party”.

Atom Heart Mother, la primera grabación de la banda con una orquesta. En una cara del disco aparece una canción orquestal de 23 minutos homónima, mientras que la otra presenta una canción compuesta por cada uno de los vocalistas de la formación (“If” de Waters, “Fat Old Sun” de Gilmour y “Summer ‘68″ de Wright). Desde entonces, ha sido calificado por Gilmour como “un montón de basura”, mientras que Waters dijo que no le importaría si fuera “tirado a la basura y no fuera escuchado nunca por nadie”. La popularidad de este álbum hizo que la banda se embarcara en su primera gira completa por los EE.UU.

La llegada de la fama mundial

Durante esta época, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en un estilo único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía para la crítica y el público. El sonido de la banda estaba mucho más enfocado en Meddle, cuya canción “Echoes”, de 23 minutos de duración, fue descrita por Waters como un “poema sónico” debido a sus constantes efectos de sonido, y está considerada como una de sus mejores piezas. Este álbum ya posee el estilo característico de la banda que llevaría a su máxima expresión en discos venideros, y eliminó la orquesta que tanto protagonismo tuvo en Atom Heart Mother.

El siguiente trabajo de la banda en ser publicado fue Obscured By Clouds, grabado en Francia, y que conformó la banda sonora de la película La Vallée. Se convirtió en el primer top 50 para Pink Floyd en los EE.UU. además de alcanzar el sexto lugar en el Reino Unido. La letra de la canción “Free Four” fue la primera referencia en una canción a la muerte del padre de Waters en la Segunda Guerra Mundial, que se estableció como un tema recurrente en posteriores trabajos.

La publicación del superéxito The Dark Side Of The Moon en 1973 marcó un antes y un después en la popularidad de la banda. Con superhits como “Money”, “Time”, “Brain Damage” y “Eclipse”. Por su parte, el álbum se convirtió en el primer número uno de la banda en este país, y es uno de los más vendidos en la historia de los Estados Unidos, sobrepasando los quince millones de copias, y uno de los más vendidos en todo el mundo, con más de cuarenta millones. En este álbum, el saxofón toma un papel muy importante expresando las influencias del jazz, especialmente de Wright, junto con sus continuas partes corales femeninas, que ayudan a diversificar la textura del álbum.

Wish You Were Here, publicado en 1975, trata la ausencia de humanidad en la industria musical y la ausencia de Syd Barrett. Conocido principalmente por el tema homónimo, el disco contiene también una extensa canción de 26 minutos dividida en nueve partes y dos pistas titulada “Shine On You Crazy Diamond”, un tributo a Barrett en el que la letra trata expresamente las consecuencias de su salida del grupo. Muchas de las pasadas influencias de la banda fueron mezcladas en esta canción, que termina con una referencia a uno de los primeros sencillos de la discografía de Pink Floyd, “See Emily Play”. El resto de canciones, “Welcome To The Machine” y “Have A Cigar”, poseen una fuerte crítica a la industrialización de la música. Wish You Were Here fue el primer álbum en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en los EE.UU., y fue igual de alabado por la crítica que The Dark Side Of The Moon.

La era Waters

Con la publicación de Animals, en enero de 1977, la música de la banda comenzó a ser criticada por parte de los seguidores del punk rock por ser demasiado pretenciosa al haber perdido la simplicidad del rock and roll. Sin embargo, Animals está considerado como un trabajo más guitarrero que los anteriores debido a la influencia del emergente movimiento punk y al hecho de que fue grabado en los nuevos estudios de Pink Floyd, Britannia Row. Fue el primer disco que no incluyó ninguna composición de Rick Wright, y alcanzó el segundo puesto en el Reino Unido y el tercer en los EE.UU. Después de la gira de promoción de Animals, cada uno de los miembros de Pink Floyd se embarcaron en sendos proyectos en solitario.

A comienzos de 1979 se reveló un escándalo económico que involucró a la empresa Northon Warburg. Se desveló que su máximo dirigente, Andrew Warburg, había estado desviando fondos para una serie de operaciones ilícitas y huyó de Inglaterra para regresar en 1982 y ser arrestado. Esta empresa era la que gestionaba los ingresos de los miembros de Pink Floyd, que vieron como entre los cuatro perdieron más de un millón de libras esterlinas. Además, como resultado del escándalo, cada uno de ellos debía mucho dinero a Hacienda, y fueron forzados a abandonar el país entre el 6 de abril de 1979 y el 6 de abril de 1980. Durante el exilio el grupo grabó su siguiente trabajo, que saldría al mercado bajo el nombre de The Wall.

La épica ópera rock The Wall vio la luz en 1979. Compuesta casi en si totalidad por Waters, trata con los temas de la soledad y la falta de comunicación, expresados por medio de la metáfora de un muro construido entre el músico y el público. The Wall consiguió que Pink Floyd volviese a lo más alto de las listas de éxitos con el sencillo “Another Brick In The Wall”, extrayendo también otros éxitos como “Comfortably Numb” o “Run Like Hell”, que se convirtieron en clásicos de la banda y de las emisoras de radio a pesar de no ser nunca publicados como sencillos. Aunque nunca llegó al número uno en el Reino Unido (sólo alcanzó el tercer lugar), The Wall permaneció quince semanas en el número uno de las listas estadounidenses. Fue alabado por la crítica, y consiguió 23 discos de platino de la RIAA, vendiendo 11.5 millones de copias en los E.E.U.U. El espectacular éxito de The Wall hizo que Pink Floyd se convirtiese en el único grupo en conseguir el disco más vendido del año en dos ocasiones dentro de una década junto con los Beatles.

The Final Cut, un álbum dedicado a la memoria del padre de Waters, Eric Fletcher Waters, muerto en combate en la Segunda Guerra Mundial, salió al mercado en 1983. Es el único álbum de la banda en el que no apareció Richard Wright, y el único que fue compuesto en su totalidad por uno de los integrantes de la banda, en este caso Roger Waters. Fue también él mismo quien grabó casi todas las partes vocales. En él, Waters incluyó por primera vez la participación británica en la Guerra de las Malvinas, y concluyó con una referencia a una posible guerra nuclear en la canción “Two Suns In The Sunset”. The Final Cut fue bien recibido por la crítica, y alcanzó el primer puesto en el Reino Unido y el sexto en los E.E.U.U. Contiene uno éxito radiofónico menor, “Not Now John”, el único del trabajo en el que canta Gilmour. Después de esto, cada uno de los miembros tomaron caminos distintos y se embarcaron en sus propios proyectos.

La era Gilmour

En diciembre de 1985, Waters anunció la separación de Pink Floyd, describiendo a la banda como una “fuerza agotada”. No obstante, en 1986 Gilmour y Mason comenzaron a grabar un nuevo álbum bajo el nombre de Pink Floyd. Una agria disputa legal llevó a Roger a reclamar que el nombre de Pink Floyd debería haber sido abandonado, pero Gilmour y Mason mantuvieron su intención de grabar con ese nombre, declarando que eran ellos quienes tenían sus derechos legales. Finalmente, la demanda fue llevada a los juzgados, y los derechos fueron adquiridos por Gilmour y Mason.

Después de barajar varios títulos, el nuevo álbum fue publicado como A Momentary Lapse Of Reason (1987), y alcanzó el tercer puesto en los E.E.U.U. y en el Reino Unido. Sin Waters, que había sido el principal motor compositivo, la banda se apoyó en compositores de fuera, lo que provocó muchas críticas.

El siguiente álbum de estudio de Pink Floyd fue The Division Bell, publicado en 1994, compuesto por todos los miembros del grupo en lugar de Gilmour exclusivamente, ya con Wright como miembro oficial. Fue recibido con mejores impresiones que A Momentary Lapse of Reason, aunque se le siguió criticando por la invariabilidad de su estilo. Fue el segundo disco de la banda en llegar al primer puesto a ambos lados del Atlántico desde Wish You Were Here. The Division Bell es otro álbum conceptual que representa temas parecidos a los que Waters había explorado en The Wall.

Vease Fanarock

Metallica

Metallica es una banda de thrash metal originaria de Estados Unidos. Fue fundada en 1981 en Los Ángeles por el danés Lars Ulrich y James Hetfield, a los que se les unirían Lloyd Grant y Ron McGovney. Estos dos músicos fueron después sustituidos por el guitarrista Dave Mustaine y el bajista Cliff Burton, respectivamente. Mustaine fue despedido un año después de ingresar en la banda debido a su excesiva adicción a las drogas y al alcohol, y fundó la banda Megadeth, siendo sustituido en Metallica por Kirk Hammett. Por otra parte, en 1986, la muerte de Cliff Burton en un accidente de automóvil provocó la entrada al grupo de Jason Newsted, que quince años más tarde, sería sustituido tras su deserción por el bajista actual de la banda, Robert Trujillo.

Kill ‘Em All

A principios de 1983 el manager y promotor de conciertos Johnny Zazula (con la ayuda de su mujer) se puso en contacto con el grupo para ofrecerles un traslado a Nueva York, con la idea de organizar varios conciertos en la Costa Este y, si todo marchaba bien, grabar un álbum. A los diez días de su llegada a Nueva York, la situación con Mustaine se hizo insostenible, con lo que Hetfield y Ulrich sorprendieron a un Mustaine recién despierto para anunciarle que estaba fuera del grupo y que en un breve plazo salía el autobús que habían reservado para su vuelta a casa (posteriormente Dave fundaría Megadeth). Para algunos, el factor que fue finalmente decisivo para la expulsión de Mustaine fue el accidente de furgoneta que éste provocó al conducir ebrio en el trayecto que llevó al grupo de San Francisco a Nueva Cork. Los integrantes ya estaban preparados para esto. Le pidieron a Zazula que se pusiese en contacto con el guitarrista de Exodus, Kirk Hammett, para unirse a la banda. Al principio, Kirk creía que la llamada de Zazula era una broma, pero finalmente aceptó. De forma simultánea a la expulsión de Dave, Kirk Hammett dejaba Exodus y se disponía a salir hacia Nueva York, llegando esa misma noche a altas horas de la madrugada. Alumno de Joe Satriani, Hammett introduciría un sonido más melódico, técnico y estilizado en Metallica, que se haría patente a partir del segundo álbum del grupo, puesto que el primero estaba compuesto en su totalidad en el momento de su entrada. Tras un mes de ensayos, Metallica entraría finalmente el 10 de mayo en los «Music America Studios» para grabar su primer álbum. Tras seis semanas, el primer trabajo de Metallica sería lanzado en el mes de julio bajo el nombre Kill ‘Em All.

Ride The Lightning

Terminada su primera gira europea, Metallica entraría el 20 de febrero en los Sweet Silence Studios de Copenhague para la grabación de su segundo álbum. El ajustado presupuesto del que Zazula disponía se convirtió en el principal problema durante la grabación del álbum, que transcurrió a un ritmo frenético durante menos de un mes, quedando finalizada el 14 de marzo. A la considerable evolución mostrada en estos temas se unía el rumor latente de que el grupo estaba trabajando en una balada, lo que provocó cierto revuelo dentro del sector más extremo de los fans del grupo.

Ride The Lightning, nombre que recibiría finalmente el segundo álbum de Metallica, supondría todo un cambio en el sonido de la banda, que se adentraba en terrenos mucho más melódicos y sinfónicos. Las labores de composición contaron con la colaboración de Burton y Mustaine, incluyendo este último ciertos riffs asombrosos en los temas como “Creeping Death”, canción editada por Hetfield con una letra muy fuerte; es el solo más agradable según el guitarrista, que en su interludio tomaba el riff y la línea vocal del tema “Die By My Hand”. El tema más controvertido del álbum sería la balada de tintes suicidas “Fade To Black”, inspirándose en el robo de equipo que la banda sufrió el 14 de enero de aquel mismo año (1984), y visto por cierta parte de los primeros seguidores como una traición por parte de la banda, a la que tildaron abiertamente como vendidos.

Master of Puppets y la muerte de Cliff Burton

Pasados dos años de gira, volvieron a Copenhague, al mismo estudio donde se grabó Ride the Lightning, Sweet Silence. De allí surgió Master of Puppets, uno de los discos más alabados dentro del heavy metal, cuya canción principal homónima está considerada por muchos fans como la mejor canción de la banda.

En gira, esta vez en Europa, el autobús de la gira circulaba por las heladas carreteras suecas; Cliff Burton se encontraba durmiendo en la litera asignada a Kirk Hammett, y repentinamente el autobús volcó, y cayó sobre el cuerpo del bajista Cliff Burton, tras salir despedido por la ventana, causándole la muerte instantánea el 27 de septiembre de 1986. Según el conductor, el autobús derrapó debido a las placas de hielo que había en la carretera, lo que ocasionó el vuelco; James, furioso por lo sucedido, intentó golpear al conductor, siendo detenido por sus compañeros; el mismo Hetfield recorrió una distancia considerable de la carretera, buscando las dichosas placas de hielo que el conductor había mencionado, aunque no encontró nada. En el funeral de Burton, se escuchó el tema “Orion”.

Su muerte provocó la suspensión de la gira de la banda, y la retirada de los tres miembros restantes para pensar al respecto de su futuro. Finalmente, y después de consultar a los familiares del desaparecido bajista, decidieron continuar con la carrera musical de la banda, y reclutaron al bajista Jason Newsted, en lugar del desaparecido Cliff. En su primera actuación con Metallica, Newsted tocó un solo de bajo, lo que provocó un descontento entre los fans de la banda, quienes dijeron que era una falta de respeto hacia el difunto Cliff Burton.

Garage Days Re-Revisited y And Justice For All

En 1987 lanzarían un gran álbum de versiones de los grupos que les influyeron titulado Garage Days Re-Revisited para introducir a Newsted a los fans. Un año después lanzarían un nuevo disco, titulado And Justice For All. Éste es su álbum más oscuro, con un sonido dominado por ritmos de batería densos y muy acelerados, de gran complejidad. Pese a lo que podría parecer, es un trabajo más melódico que sus predecesores, con un ambiente absolutamente negativo, y unas letras más cercanas a la crítica social, política e incluso ecológica. Destacan los temas “One”, “To Live Is To Die” (dedicado a Cliff Burton), “And Justice For All” y “Blackened”.

The Black Album

Su siguiente trabajo, llamado Metallica pero mejor conocido como The Black Album, considerado por la crítica como la obra maestra de Metallica y su disco mas recordado, se haría esperar hasta el año 1991. Con canciones como “Enter Sandman”, “Holier Than You”, “Sad But True”, “The Unforgiven”, “Wherever I May Roam” y “Nothing Else Matters”, vendió más de 500.000 copias en su primera semana en E.E.U.U. Sólo en allí., la RIAA certifica 14 millones de copias vendidas desde su salida a la calle.

Load, Reload y Garage Inc

The Black Album marcaría un punto de inflexión en la carrera musical de Metallica, y sus dos discos consecutivos titulados Load (1996) y ReLoad (1997), de estilos idénticos entre sí ya que estaban pensados para formar un mismo álbum doble, están totalmente dominados por un sonido que muchos antiguos seguidores consideraron como comercial y muy domesticado con letras más suaves, en un estilo más cercano al rock alternativo que triunfaba en aquella época. Destacan “Fuel” y “Until It Sleeps”.

El 1998 realizarían un nuevo trabajo similar al Garage Days Re-Visited titulado Garage Inc, aunque esta vez sería un álbum doble cargado de versiones de temas de estilos bastante diversos que influyeron a la banda en su ya dilatada carrera. Mientras que el disco uno tenía covers grabados para el lanzamiento del álbum, el disco dos contenía íntegros el Garage Days Revisited proveniente del single de “Creeping Death”, y el Garage Days Re-revisited. El single mas destacado es “Whiskey In The Jar”.

St. Anger

En 2001 el bajista Jason Newsted, quien anteriormente (periodo Load-Reload) había tenido serias discusiones con los demás integrantes sobre sus proyectos fuera del grupo, abandonaría Metallica alegando desgaste físico y motivos personales.

La banda volvería al panorama musical internacional en 2003, con un nuevo trabajo de estudio, titulado St Anger, repitiendo en el puesto de productor Bob Rock, quien además toca el bajo en el álbum. Como peculiaridades del disco destaca la ausencia absoluta de solos de guitarra, y un sonido de la batería totalmente novedoso e igualmente polémico que radicaba en la caja, la cual tenía un armónico metálico en vez del de madera seca usado hasta entonces. El vídeo de la canción homónima del álbum fue grabado en la prisión de San Quintín.

Vease Fanarock

Queen

Queen es una banda de rock británica formada en 1970. A este grupo, del que quedaron el baterista Roger Taylor y el guitarrista Brian May, decide unirse luego Freddie Mercury, poseedor de una voz con un registro poco común y un timbre excepcional para muchos, considerado como el mejor frontman de la historia. Luego aparece John Deacon (bajo). La banda es conocida por su gran diversidad musical, tanto en lo vocal como en lo instrumental, así como por sus multitudinarios conciertos de gran calidad.

Primeros discos

El segundo semestre de 1972 encuentra a Queen en los estudios de grabación preparando su primer disco. No obstante deben hacerlo en los tiempos muertos cuando celebridades como David Bowie no lo utilizan. El material es finalizado a principios de 1973 y la banda quedó muy conforme a pesar de las dificultades. Sólo faltaba que Trident ubicara el álbum en alguna discográfica. En mayo, la discográfica EMI decide editar el disco pero el lanzamiento no se producirá hasta el 13 de julio de 1973 bajo el título Queen considerado por la revista Rolling Stone como super. Una semana antes se había lanzado el sencillo “Keep Yourself Alive/Son And Daughter” que no entró a las listas. Queen muestra a la banda con un sonido cercano al hard rock. Esto se hace evidente en canciones como “Great King Rat” y “Jesús, Modern Times Rock ‘N Roll”.
Sin embargo comienzan a verse la presencia de la ópera en temas como “My Fairy King” o el instrumental “Seven Seas Of Rhye”.

El 23 de febrero se edita un adelanto de éste: el sencillo “Seven Seas Of Rhye”. Este es considerado como un disco de transición para la banda, por su notable diferencia con el anterior en cuanto a sonido y madurez, y por otro motivo importante: habían comenzado las voces operísticas (lo cual aún estaba ausente en Queen). Esas ostentosas sobregrabaciones vocales que causaban el efecto de un coro de ópera, y que tanto caracterizaría a Queen a lo largo de toda su carrera había empezado a tomar vuelo en Queen II, y al disco en cuestión no le fue nada mal, pero aún existía un factor a pulir, el elemento comercial, les faltaba un hit comercial que se emitiera en las radios.

Sin embargo pudieron finalizar el proceso y el 11 de octubre salió a la luz el primer resultado. Se edita el sencillo “Killer Queen”. El 1 de noviembre de 1974 se lanza el álbum Sheer Heart Attack que contiene 13 canciones. El album tuvo un rotundo éxito.

A Night At The Opera y At Day At The Races

El 21 de noviembre lanzan A Night At The Opera siendo el álbum más costoso nunca antes producido. La primera canción del álbum “Death On Two Legs (Dedicated To…)”, compuesta por Freddie Mercury, está escrita para el anterior mánager de la banda Jack Nelson y su anterior compañía discográfica. Éstos fueron considerados por los miembros de la banda como unos chupasangre lo que motivó que éste planteara iniciar acciones legales que no se concretaron gracias a que la EMI argumentó que la canción no da nombres. “You’re My Best Friend” es uno de los éxitos del disco, como The “Prophet’s Song” de Brian May, y “Love Of My Life” es la balada del disco. “Bohemian Rhapsody” es la más exitosa y recordada canción del grupo, considerada varias veces como la mejor canción de la historia. A Night At The Opera representó el comienzo de la auténtica masividad pues alcanzó el número 1 en Inglaterra (el 4 en Estados Unidos) estando en las listas británicas durante 50 semanas lo que le permitió obtener certificación de platino.

A Day At The Races era un acompañamiento a su disco antecesor. Como adelanto, el 12 de noviembre de 1976 aparece el single “Somebody To Love”, que representa un gran hit y un gran tema para la banda. Mientras el lado uno es un gospel compuesto por Mercury, la segunda es un rock pesado de Brian May que relata la conquista del oeste estadounidense desde la visión de un aborigen. El nuevo álbum finalmente es editado el 10 de diciembre, permaneciendo 24 semanas en el ranking inglés. Se avecinaban nuevos aires en el rock británico: el siguiente single a “Somebody To Love” editado por EMI fue Anarchy In The UK, de Sex Pistols, originándose la oleada punk. Se inicia un giro musical, que tendrá su apogeo en la primavera de 1977. Muchos grupos del estilo progresivo se vieron afectados.

News Of The World y Jazz

Tras dos meses de grabación el 7 de octubre de 1977 aparece el primer resultado: El sencillo doble, “We Will Rock You” y “We Are The Champions” que pasarían a convertirse en himnos en los shows y para los fans. Así el 28 de octubre ponen a la venta News Of The World, uno de los albums de estudio más vendido de Queen en Estados Unidos donde alcanzo 4 veces platino.

En 1978 publican Jazz, que alcanza unas ventas discretas y que fue duramente criticado, la revista Rolling Stone dijo: “Queen no tiene creatividad para hacer Jazz, Queen no tiene creatividad por esta razón para hacer Rock & Roll. Se destacan como singles de la nueva producción “Don’t Stop Me Now”, “Fat Bottomed Girls” y “Bicycle Race”. A finales de aquel año lanzaron como single “Crazy Little Thing Called Love” primer corte del álbum The Game, la cual tiene un estilo rockabilly a lo Elvis Presley. Fue todo un éxito. El lanzamiento de la canción fue acompañado por una pequeña gira por el Reino Unido e Irlanda bajo el nombre de Crazy Tour en el cual se vio una diferencia en la puesta en escena de la banda con diferencia a las giras anteriores y que se mantendría durante las giras siguientes.

The Game y Flash Gordon

En 1980 ponen a la venta el disco The Game. La canción “Another One Bites The Dust”, escrita por John Deacon, llega al número 1 en EE. UU, el Reino Unido y en gran parte del mundo y acaba convirtiéndose en su sencillo más vendido. Esto hace que la banda gire radicalmente, de sus tendencias hard rock, glam rock, a tendencias más pop-rock de los 80′ (aunque a veces había temas “rockeros” en sus álbumes, pero en minoría). Los otros sencillos destacados fueron “Save Me” y “Play The Game”. En ese mismo año publican Flash Gordon (banda sonora de la película del mismo nombre), aunque con regular resultado en ventas.

Hot Space, The Works y A Kind Of Magic

En 1981, fruto de una colaboración con David Bowie, sacan a la venta la canción “Under Pressure”, alcanzando el número uno. En 1982 publican el álbum Hot Space, duramente criticado por algunos por acercase demasiado a un sonido disco. En 1984 aparece The Works, álbum que contiene los hits “I Want To Break Free”, en cuyo vídeo aparecían los miembros de Queen disfrazados de mujer queriendo ridiculizar la serie de la televisión británica Coronation Street, “Radio Ga Ga”, cuyo videoclip fue hecho con material de la película “Metrópolis”. También se destaca “Hammer To Fall”, canción obligatoria en los shows en directo y la balada “It’s A Hard Life”.

A principios de 1986 sacan a la venta su disco A Kind Of Magic. Ese disco fue un gran éxito, gracias a la canción también titulada “A Kind Of Magic” (número 1 en 35 países), el tema principal de la película Highlander: “Princes Of The Universe”, la hermosa “Friends Will Be Friends” y la de gancho rock “One Vision”. Ese mismo año hicieron su última gira llamada “Magic Tour” donde tocaron dos noches en el Estadio Wembley (Reino Unido) ante unas 72.000 personas cada noche, vendiéndose las entradas en solo seis horas.

Los últimos años

Más tarde, en 1989 Queen se junta nuevamente y saca su disco The Miracle cuando ya la crítica pensaba que Queen había terminado, el álbum tuvo éxito. La tapa del cd muestra a los 4 miembros de la banda todos unidos en una forma de demostrar la unidad de la banda. El mayor hit fue “I Want It All”, que llegó al número uno en varios países. “Breakthru”, “The Miracle”, “The Invisible Man”, y en menor medida “Scandal”, también logran posicionarse en los primeros lugares. Después de la salida de este álbum la banda comunica que no se presentará en vivo en ningún concierto, la razón fue que se consideraban demasiado maduros. A finales de los ‘80 se empezaba a rumorear que Mercury era portador de VIH. Freddie siempre desmentía eso aunque él sabía que el final estaba cerca. Su última aparición pública fue en una entrega de premios en 1990,

En 1991 sacaron su último álbum, titulado Innuendo. Este trabajo fue producto de la avidez que Freddie sentía por publicar discos en esta época, cuando era consciente de que el SIDA iba minándole cada vez más deprisa. Esa avidez pudo justificar que, junto a un grupo de canciones nuevas, se incluyese alguna inédita de etapas anteriores con el fin de completar el nuevo álbum y publicarlo cuanto antes. La canción “Innuendo”, que contiene un memorable solo de guitarra flamenca a cargo del virtuoso guitarrista de Yes, el brítanico Steve Howe, sencillo que fue todo un éxito, y el álbum mismamente, fueron aclamados por una parte de la crítica mencionando que Queen se habían superado a sí mismos. La venta del álbum logró muy buenas posiciones en las mediciones de venta en diferentes países del mundo. Los otros sencillos de apoyo fueron “Headlong”, “I’m Going Slightly Mad”, “These Are The Days Of Our Lives” y la legendaria “The Show Must Go On”, compuesta por Brian May, con una letra que reflejaba el momento que estaba viviendo el vocalista.

El 23 de noviembre Freddie anuncia a sus fanáticos y al mundo (a través de un comunicado de prensa) que era portador del virus VIH y que estaba enfermo de SIDA. Al día siguiente fallecía en su casa, rodeado de familiares y amigos. Este hecho conmocionó a sus millones de fanáticos, que no habían conocido la enfermedad de Freddie hasta el mismo final. El 24 de noviembre de 1991 Freddie Mercury pierde su batalla contra el SIDA.

Vease Fanarock

Aerosmith

Aerosmith es una banda de hard rock, glam metal y heavy metal formada en Estados Unidos. Fue creada a principios de los ‘70 por Steven Tayler (voz, teclado y armónica), Joe Perry (guitarra líder y coros), Brad Whitford (guitarra), Tom Hamilton (bajo) y Joey Kramer (batería).

Comienzos y primeros trabajos

Tras darse a conocer en locales nocturnos de Boston, en 1973 presentaron su primer LP titulado simplemente Aerosmith (1973), un buen álbum producido por Adrian Barber que contenía temas como “Dream On”, “Mama Kin”, “One Way Street” y “Walkin’ The Dog”. Sus interpretaciones en vivo teloneando a bandas como los Kinks colocando su nombre entre los buenos aficionados al rock.

En 1974 publicaron su segundo disco grande, Get Your Wings, que incluía canciones como “Train Kept A Rolling”, “Lord Of The Thighs”, “Same Old Song And Dance” o “Seasons Of Wither”. Este trabajo, que supuso un gran avance comercial con respecto a su primera entrega, contó por primera vez con la labor del productor Jack Douglas y del ingeniero de sonido Jay Messina. Su llegada al estrellato musical vendría determinada por la publicación de Toys In The Attic (1975), un extraordinario álbum, considerado como uno de los mejores álbumes de la historia de la musica rock, llegando a ser disco de diamante; marcado por su éxito “Walk This Way” y por otros espléndidos temas como “Sweet Emotion”, “Toys In The Attic” o “Uncle Salty”. Este ascenso en su status estelar provocó la reedición de su primer sencillo, la balada “Dream On”, que logró entrar entre los singles más vendidos de la época. Subidos al carro de la fama y en un momento de gran inspiración, presentaron otro magistral disco, Rocks (1976), nuevamente bajo la producción de Jack Douglas. Piezas como “Back In The Saddle”, “Last Child”, “Combination” o “Sick As A Dog” son elementos integrantes de un album fundamental.

Los discos posteriores no lograron complacer las expectativas de los fans, debido principalmente a la adicción a las drogas y al alcohol, y por las disputas por parte de Steven Tyler y Joe Perry (los demás integrantes de la banda consumían, pero en menor medida). Fue debido a esto que los trabajos posteriores no resultaron tan consumados, y ésto a raiz de las reyertas entre los dos líderes del grupo.

La época oscura

El grupo atravesó una época oscura a causa de las drogas, el alcohol y las continuas discusiones entre algunos de sus componentes. Esto último provocó la salida, primero del guitarrista Joe Perry y más tarde de Brad Whitford. Con Joe Perry no solamente se perdió su talento musical, sino también su fuente creativa, ya que era coautor de la mayoría de las canciones del grupo. Jimmy Crespo y Rick Dufay llegaron para llenar el vacío de guitarras dejado en la banda, y en 1982 sale al mercado un nuevo disco, Rock In A Hard Place, del cual no se vendieron demasiadas copias. El día de San Valentín de 1985, Joe Perry y Brad Whitford visitan a sus ex compañeros de Aerosmith en el backstage y logran una reconciliación (en parte gracias al trabajo de sus respectivas esposas), reuniéndose de nuevo con la banda e iniciando el tour.

El reencuentro con el éxito

La alineación original eventualmente se reagrupo y no firmó con la empresa discográfica Geffen, pero su disco de vuelta, Done With Mirrors de 1985, fue recibido con critica por su falta de inspiración. Al año siguiente, Tyler y Perry obtuvieron el visto bueno de la calle, que bien necesitaban, con la participación de alto perfil en la revisitada “Walk This Way” con los rapperos Run-DMC.

Pero su verdadera vuelta comenzó con la instantánea comercial Permanent Vacation, donde el productor Bruce Fairbairn transformó el sonido del grupo a algo más simple pero sin perder su actitud esencial. Habiéndose convertido en promoteres de la sobriedad tras su rehabilitación del consumo de sustancias tóxicas y con una aprendida y adaptada nueva actitud social, la banda apareció una y otra vez con hits como “Dude (Looks Like A Lady)”, “Angel” y “Rag Doll”.

“Pump”, de 1989, subió las expectativas, dejando un cuarteto de rotundos éxitos como la pro-feminista y “Janie’s Got a Gun”. Get A Grip, de 1993, completó los rotundos éxitos comerciales que Aerosmith lanzó en colaboración con “Fairburn” y con una multitud de estelares escritores. Los hits incluyeron “Crazy”, “Amazing”, “Livin’ On the Edge”, “Crying”, “Eat The Rich” y “Get A Grip”.

Ya en 1991, Aerosmith era tan popular que pudieron darse el lujo de firmar un muy lucrativo contrato con su empresa discográfica original, Columbia, por más que le debían a Geffen más álbumes. No llegaron a lanzar su álbum debut con Columbia hasta 1997 con Nine Lives, pero la abundante energía y sentido de la aventura de ese álbum sugiere que va a hacer valer cada centavo que les pagaron. Destacan temas como los hits de “Falling In Love”, “Pink” y “Hole In My Soul”.

Posteriormente sacaron a la venta Just Push Play en 2001, un album que como venia sucediendo desde Get A Grip mezcla temas power como “Jaded” y otros hermosos lentos como “Fly Away From Here”. Y Honkin’ On Bobo en 2005, un disco basado en covers de grandes temas del blues.

Vease Fanarock

The Jimi Hendrix Experience

The Jimi Hendrix Experience fue un grupo de rock estadounidense de final de los ‘60, que a pesar de su corta existencia tuvo una influencia decisiva en el posterior desarrollo del rock. Destacó principalmente por el virtuosismo de su guitarrista principal, Jimi Hendrix, que suele ser considerado el guitarrista más grande de todos los tiempos. Sus otros miembros eran Noel Redding y Match Mitchell.

Jimi Hendrix, comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo King Casuals. Tuvo relativo éxito, y fue contratado por Little Richard, hasta 1965. A partir de ese año, formó su propia banda llamada Jimmy James And The Blue Flames, con la que se sucederían los éxitos y el trabajo sin descanso, explotado por sus representantes musicales. Poco después, comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas de la época.

Are You Experienced?

Are You Experienced? es el álbum debut de The Jimi Hendrix Experience, que fue lanzado en 1967. Este álbum estableció a Hendrix como uno de los artistas de rock más importantes de su época, gracias a su innovadora técnica y uso de feedback. Es frecuentemente considerado uno de los mejores y más importantes álbumes en la historia del rock. Sus clásicos son “Foxy Lady” y “Purple Haze”, aunque también destacan grandes temas como “Fire” y “Red House”.

Axis: Bold As Love

Axis Bold As Love suele ser considerado inferior a su antecesor, y los singles que fueron grabados en su momento no fueron tan exitosos como los anteriores. Aunque en mi opinión es el mejor musicalmente hablando. Destacan “Little Wing”, “Wait Until Tomorrow”, “Castles Made Of Sand”, “You Got Me Floating” y “Spanish Castle Magic”.

Electric Ladyland

La grabación del álbum Electric Ladyland fue muy problemática. Hendrix frustrado por las limitaciones de las grabaciones comerciales, decidió crear un moderno estudio en Nueva York, en el que no tuviera limitaciones para expander su visión musical. Sin embargo es considerado como el mejor disco de Jimi Hendrix.

Los disciplinados hábitos de trabajo de Hendrix se volvieron erráticos, y la combinación de sesiones interminables y de estudios llenos de aduladores finalmente causaron que el productor Chas Chandler renunciara en mayo de 1968. Chandler más tarde se quejó de que Hendrix insistía en grabar muchas tomas de cada canción. A pesar de las dificultades, muchas canciones de este álbum muestran la expansión de la visión de Hendrix). La cooperación entre Jimi y el bajista Noel Redding no estaba funcionando muy bien por lo que Hendrix toca el bajo en varias canciones.

Electric Ladyland fue lanzado en Estados Unidos en septiembre de 1968 y fue el único álbum de Hendrix en llegar al primer puesto en ventas. La edición británica llegó al quinto puesto tras su lanzamiento en octubre, y originalmente contó con una portada diferente y controvertida: como el arte original no llegó a tiempo, fue usada una tapa con mujeres desnudas frente a un fondo oscuro, lo que causó una reacción importante. La portada original se volvió desde entonces la oficial en todo el mundo. La familia de Hendrix, que es dueña de los derechos del álbum y de la mayor parte de su catálogo, afirmó que la tapa original británica no sería usada ya que no le gustaba al mismo Hendrix. Destacan “All Along The Watchtower”, “Crosstown Traffic” y “Voodoo Chile”.

Vease Fanarock

Led Zeppelin

Led Zeppelin fue una banda de rock del Reino Unido considerada una de las más importantes de ese género y una de las más populares durante la década de los setenta. Fue fundada en 1968 por el guitarrista Jimmy Page quien había pertenecido a The Yardbirds, al incluir en su formación a John Paul Jones como bajista y teclista, al vocalista Robert Plant y a John Bonham a la batería. Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues y el rock and roll.

Formación de la banda y primeros trabajos (1968-1969)

Led Zeppelin se formó a finales de 1968 cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en Inglaterra por su labor como músico de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds buscaba nuevos músicos para su nuevo proyecto, The New Yardbirds (nombre que provocaba ciertos problemas legales), constituido a partir de la disolución de The Yardbirds. El nombre de la banda surgió a raíz de un mal chiste de Keith Moon, batería de The Who (en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, John Entwistle y el propio Keith Moon), cuando dijo que la banda fracasaría y caería “como un Zeppelin de Plomo”.

The Yardbirds se separó en 1968, y Page y el bajista de la banda, Chris Dreja, comenzaron a buscar miembros para una nueva formación. El primer candidato para el puesto de vocalista fue Terry Reid, quien se negó a ser parte de la banda, pero recomendó a un amigo suyo llamado Robert Plant. En agosto de 1968, Page, Dreja y Peter Grant viajaron a Birmingham para ver la banda de Plant, Hobbstweedle. Plant aceptó la oferta de Page para entrar en la banda en una reunión en la casa de Page. Plant tenía un amigo que tocaba la batería, John Bonham, que también se uniría al grupo. Poco después de la llegada de Bonham, Dreja abandonó la música para convertirse en fotógrafo, por lo que los tres componentes de la banda se ven obligados a buscar un nuevo bajista. John Paul Jones, un amigo de Page y conocido músico de sesión, se enteró de la noticia y le propuso a su amigo su entrada en la formación, quedando cerrada la banda. Lo primero que hicieron fue ensayar un blues normal de 12 compases. En ese momento se vio la “química” que había entre los cuatro miembros. Su primer cometido fue acabar una gira pendiente en Escandinavia bajo el nombre de The New Yardbirds, en la que tocaron muchos de los temas que forman parte de su álbum debut.

Después de la gira, y ya bajo el nombre de “Led Zeppelin”, Peter Grant, mánager de la banda, otorgó a la banda 200.000 dólares a cambio de producirse su primer álbum. Tal suma de dinero provenía del sello Atlantic Records, que estaba interesada en fichar el mayor número posible de grupos que surgían durante aquella época amparados bajo el estilo blues y hard rock, algo que Led Zeppelin cumplía a la perfección, por lo que Atlantic contrató a la banda sin siquiera haberlos visto, sólo bajo la recomendación de Dusty Springfield.

Su primer disco fue publicado el 12 de enero de 1969, bajo el nombre de Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum, producido por Page, lo que se convertiría en una constante a lo largo de la historia del grupo, un hecho que provocó que la banda no publicase singles en Inglaterra. Tras embarcarse en su primera gira norteamericana y gracias a las explosivas actuaciones de la banda, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobre todo en Estados Unidos. La prensa calificó al álbum como heavy metal, algo con lo que la banda no estaba de acuerdo. Robert Plant declaró que “es injusto calificar a la banda como heavy metal, ya que un tercio de nuestra música es acústica”. Poco después de la edición de este álbum debut, la banda decidió no publicar ningún single en Inglaterra, deteriorando la promoción del disco y de los trabajos posteriores. Entre sus temas mas destacados se encuentran “Good Time Bad Times”, “Babe I’m Gonna Leave You”, “Dazed And Confused” y “Communication Breakdown”.

Durante 1969, la banda se las arregló para terminar las giras europea y americana y grabar durante las mismas su segundo trabajo, que fue publicado el 22 de octubre de dicho año bajo el nombre de Led Zeppelin II. Este álbum los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como “Whole Lotta Love” y “Heartbreaker”. Y otros grandes temas como “Ramble On”, “Moby Dick” y “Bring It On Home”.

Como apoyo al disco, la banda dio un par de giras más por Estados Unidos cada vez ante audiencias más grandes debido al aumento de popularidad que supuso la publicación del segundo álbum del grupo, alargando los conciertos durante más de tres horas.

Led Zeppelin III y Led Zeppelin IV (1970-1972)

Para la composición del tercer disco de Led Zeppelin, los miembros de la formación se retiraron a Bron-Yr-Aur, una remota casa rural de Gales, en 1970, donde también grabaron el material allí ideado.

El 5 de octubre de 1970 se publica su tercer disco, Led Zeppelin III, tras el cual algunos acusaron al grupo de ser un montaje comercial, debido al carácter íntimo y acústico de las canciones contenidas en dicho álbum, que a pesar de no ser muy bien recibido tanto por la crítica como por sus admiradores, contenía composiciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos, como “Immigrant Song”, el primer single de la carrera del grupo a pesar de sus negativas a que fuese publicado, o “Since I’ve Been Loving You”. La banda entera y sobre todo Jimmy Page se tomó personalmente estas críticas, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarlo. Este álbum, reconocido comúnmente como Untitled y principalmente como Led Zeppelin IV por inercia, publicado el 8 de noviembre de 1971, fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), en el que destaca su mayor éxito, “Stairway to Heaven”, además de clásicos de la banda como “Black Dog”, Rock And Roll”, “Going To California” y “When The Levee Breaks”, de la cual destaca el imponente sonido atronador y pesado de la batería de John Bonham.

El disco vino acompañado de un ligero cambio de imagen de los integrantes del grupo, quienes comenzaron a vestir vistosas ropas y extravagantes collares y joyas al estilo de las grandes estrellas de la época. Es también durante este tiempo cuando se popularizaron los excesos de Led Zeppelin, ya que empezaron a viajar en un jet privado (llamado “The Starship”) alquilando plantas enteras de los hoteles en sus estancias durante las giras.

Houses Of The Holy y Swan Song (1973-1975)

Su siguiente disco, Houses Of The Holy, publicado el 28 de marzo de 1973, supuso una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e incluso matices reggae. Como siempre, el álbum causó controversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas. La canción “Houses Of The Holy” fue grabada inicialmente para incluirse en su álbum homónimo, aunque finalmente aparece en su siguiente trabajo.

Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crearon en 1974 su propio sello discográfico, Swan Song, aunque dependiendo todavía de su compañía discográfica Atlantic Records. El nombre de la compañía viene de una de las pocas canciones inéditas del grupo. A partir de ese momento, la banda hizo todas sus grabaciones bajo este sello. El logotipo de la compañía, que reproduce al dios griego Apolo, se convirtió en el símbolo de Led Zeppelin, incluyéndose en muchos objetos de merchandising de la banda a partir de entonces. Dicha compañía fue rentable durante la vida de Led Zeppelin, aunque tres años después de la separación de la banda, el sello tuvo que cerrar.

Entre 1973 y 1974 la banda se tomó un descanso de su frenética combinación de grabaciones y espectaculares giras, dedicándose a realizar colaboraciones, componer canciones y a otros muchos asuntos no tan relacionados con la música. El 24 de febrero de 1975 se publicó Physical Graffiti, el primer trabajo concebido desde Swan Song. Se trataba de un álbum doble que además de contener piezas nuevas como “Kashmir”, incluía material descartado de álbumes anteriores. Este álbum es considerado uno de los mejores de la banda, probablemente por la cantidad y diversidad de temas. 1975 supuso la coronación de Led Zeppelin como una de las mejores bandas de rock de la historia, tanto por la crítica como por las actuaciones en directo de ese año, que fueron apoteósicas y multitudinarias. Sin embargo, el acelerado ritmo de trabajo de Led Zeppelin se vio interrumpido cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la isla griega de Rodas, dejando a su mujer Maureen al borde de la muerte. El accidente fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año hasta finales de 1976.

Presence y In Through The Out Door (1976-1979)

Fue en este año en el que se preparó a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence, publicado el 31 de marzo de 1976 y grabado entre la ciudad alemana de Munich y Malibu, en California, caracterizado por no tener ninguna canción acústica y no hacer uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convaleciente de Robert Plant, quien grabó sus tomas vocales sentado en una silla de ruedas o en muletas. El álbum fue recibido con diversidad de opiniones por crítica y público debido a su carácter más suave y lento. Jimmy Page siempre dijo que éste es su disco preferido, y el tema que da inicio al disco, “Achilles Last Stand”, su tema favorito con sus más de 10 minutos.

Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant volvió a verse afectado por la desgracia, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal. Este hecho marcó profundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, Robert recapacitó y en 1978 la banda volvió al estudio, In Through the Out Door publicado el 15 de agosto de 1979. Desgraciadamente, de nuevo encontrarán problemas para terminar el álbum ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a las drogas (heroína) y al alcohol respectivamente, un hecho que hace de In Through the Out Door el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor.

En la gira de 1979 se vio por primera vez a unos Zepp no tan concentrados en la improvisación (era un rasgo bastante característico de su compenetración como banda en directo), y más centrados en las canciones en sí. A pesar de ello, una audiencia de cerca de 120.000 personas respaldó a la banda en un concierto en Copenhague. La banda había llegado a un estado de madurez, tanto a nivel compositivo como a nivel personal habiendo apartado ya la mayoría de sus excesos y reemplazándolos por profesionalidad. Por aquel entonces eran de las únicas bandas capaces de llenar un estadio frente al fracaso comercial de las bandas punk rock surgidas entonces. Durante esta época, Robert Plant había estado pensando en abandonar la banda debido al cansancio ocasionado por la gira de 1979, aunque Peter Grant consiguió convencerlo para continuar. Dicha gira se extendió hasta 1980, cuando Bonham tuvo que ser ingresado en un hospital de Núremberg, Alemania, debido a una indigestión, aunque la prensa especuló con las drogas y el alcohol como posibles causas^. La banda acabó la gira en Berlín el 7 de julio del mismo año.

Disolución de la banda y Coda (1980-1982)

Con la llegada de 1980 Led Zeppelin volvió a las grandes giras europeas, anunciaron un nuevo gran tour por Norteamérica ese año, que nunca pudo ser realizada ya que el día 25 de septiembre fue la fecha más trágica en la historia del grupo: John Bonham murió en la mansión de Page asfixiado por la ingestión accidental de su propio vómito provocado por el consumo excesivo de alcohol. No se encontraron drogas en el cuerpo del baterista, como se había especulado.

La idea de continuar nunca se cruzó por la mente de los restantes integrantes de la banda a pesar de los rumores de la incorporación de nuevos baterías. Elaboraron un comunicado oficial en el que explicaron que ya nada era lo mismo sin Bonham, y que era inútil continuar sin él.

Al tener firmado un contrato que los obligaba a sacar un nuevo álbum, y ante la negativa de grabar nuevas canciones sin Bonham, se optó por buscar material inédito hasta entonces que conformó el LP Coda (1982), disco que presenta canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas.

En los años siguientes los integrantes de Zeppelin mantuvieron su decisión de no reunirse. Sólo en esporádicas ocasiones se los vio juntos en un escenario. Últimamente Page y Plant decidieron encontrarse para hacer algo juntos, grabando algún disco conjunto algunos años después de la separación de la banda.

Vease Fanarock